NewArt · ArteNuevo

Wolfgang Tillmans

2009-12-25T08:50:00.004+01:00

La obra del alemán Wolfgang Tillmans (nacido en 1968) incluye diferentes estilos y técnicas de pintura y fotografía. Sin embargo me gustan especialmente estas obras, de inspiración orgánica, ya que me recuerdan mucho a cultivos celulares y preparaciones de tejido neuronal. Me pregunto si Tillmans tendrá un microscopio en su estudio.

Wolfgang Tillmans' (born in 1968) works include several photography and art styles and techniques. However, I like specially these paintings, of an organic inspiration, due to their remembrance to cell cultures and neural tissue slices. I wonder wether Tillamns has a microscope in his studio.

Glenn Brown

2009-12-25T08:31:00.004+01:00

El británico Glenn Brown (nacido en 1966) se basa en las obras de otros pintores (Dalí, Rembrandt, Velazquez) para crear turbulentas interpretaciones, a modo de groseras pinceladas, mediante la técnica del trampantojo, con un acabado perfecto.

Glenn Brown is a British artist and painter who appropriates images created by artists (such as Rembrandt, Dali or Velazquez). Brown's paintings, which are uniformly smooth in surface, typically offer a "trompe l'oeil" illusion of turbulent, painterly application, with a perfect finish to it.

Walton Ford

2009-12-25T08:14:00.005+01:00

El artista estadounidense Walton Ford (nacido en 1960) es famoso por dibujar meticulosas y enormes acuarelas con motivos de flora y fauna. Sus dibujos, realizados en estilo clásico, están repletos de símbolos y también bromas acerca de la vida colonial y las historias que salían en los libros de viajes antiguos.

Walton Ford (born 1960) is an Amrerican painter famous for his meticulous and lage scale watercolors, studing flora and fauna. His works, painted in the classic style, are full of symbols and jokes referencing colonial literature and folktales to travel guides.

Francis Bacon

2009-03-02T18:30:00.007+01:00

Francis Bacon (1909-1992) nació en Irlanda, pero se sintió irrefrenablemente unido a la España de Velázquez. De hecho, falleció en Madrid. Creador de las más desgarradoras obras del arte moderno, Bacon expone su profundo conocimiento de la pintura, a la vez que nos deja entrever un mundo desconcertante y a veces desagradable, pero humano.

Francis Bacon (1909-1992) was born in Ireland, but he felt unrestrainedly joined to Velázquez's Spain. In fact, he died in Madrid. Creator of the most heart-breaking works of the modern art, Bacon exhibits his deep knowledge, but, at the same time, he allows us to gess a disconcerting and sometimes upseting, but human universe.

Cy Twombly

2008-12-14T14:26:00.008+01:00

Edwin Parker (Cy) Twombly nació en 1928. Es un artista estadounidense conocido por sus grandes obras llenas de referencias caligráficas, de estilo libre que recuerda al grafitti. Son frescos y coloridos. Me gustan.

Edwin Parker (Cy) Twombly was born in 1928. He is an American artist well known for his large scale, freely-scribbled, calligraphic style graffiti paintings; on solid fields of mostly gray, tan, or off-white colors. His work is fresh and colorfull. I like it.

Anton Stankowski, Karl Benjamin, Verena Loewensberg and Richard Lohse

2008-05-01T17:46:00.017+02:00

Los "Concretos de Zurich" - "Hard Edge" - Concretismo

El concretismo fue un movimiento artístico surgido en Francia en 1930 en reacción al arte abstracto. Sus características son la exaltación de la simplicidad y la armonía, el rechazo de lo orgánico, la búsqueda de un arte puro basado en la racionalidad y el orden, la máxima economía de medios, la expresión formal de carácter lineal basada en el color y el diseño de la obra a base de esquemas matemáticos de ordenación compositiva formando series, grupos y variaciones lógicas de color. Entre los grupos concretos más detacados se encuentran los Concretos de Zurich (Loewensberg, Lohse y Stankowski) y el Hard Edge (Karl Benjamin).

The "Concretes from Zurich" - "Hard Edge" - Concretism

The concretism arose in France in 1930 in reaction to the abstract art. Its characteristics are the exaltation of the simplicity and the harmony, the rejection of the organic, the search of a pure art based on the rationality and the order, the economy of means, the formal expression of linear character based on the color and the design of the work based on mathematical schemes of arrangement compositive forming series, groups and logical variations of color. The most inportant groups of concrete art include are the Concrete from Zurich (Loewensberg, Lohse and Stankowski) and the Hard Edge (Karl Benjamin).

El alemán Anton Stankowski (1906-1998) trabajó como pintor y fotógrafo además de como artista comercial, y su obra representa el arte aplicado y libre al más alto nivel. Experimentó con procesos fotográficos químicos y con fotomontajes y fotogramas. Como diseñador, creó el logotipo del Deutsche Bank. Fue miembro de los “Concretos de Zurich”.

The German artist Anton Stankowski (1906-1998) worked as painter and photographer besides and commercial artist, and his work represents the applied and free top-level art. He experimented with photographic chemical processes and with photomontages and stills. As designer, he created the logo of the Deutsche Bank. He was a member of the "Concretes from Zurich ".

El estadounidense Karl Benjamin (nacido en 1925) se dedicó por completo al geometrismo abstracto desde 1957. En 1959 fue presentado, conjuntamente con Lorser Feitelson, Frederick Hammersley y John McLaughlin, en la importantísima exposición Four Abstract Classicists en el Los Angeles County Museum of Art, que dio origen al término Hard Edge Painting (Pintura de borde duro).

The American artist Karl Benjamin (born in 1925) devoted himself completely to the abstract geometrism from 1957. In 1959 was presented, together with Frederick Hammersley and John McLaughlin and Lorser Feitelson, the important exhibition "Four Abstract Classicists" in Los Angeles County Museum of Art, who gave origin to the term Hard Edge Painting.

La artista suiza Verena Loewensberg (1912-1986) creó una obra artística muy diversa, desde la pintura de campos de color a las obras monocromáticas. Trabajó con el cuadrado, el rectángulo, el círculo y la línea, así como con el color y su interacción. Creó una combinación estimulante entre principios matemáticos de composiciones de orden y composiciones intuitivas, vacío y abundancia, colorido y falta de color, descanso y movimiento.

The Swiss artist Verena Loewensberg (1912-1986) created a very diverse work, from the full-colors painting to the monochromatic works. She worked with the square, the rectangle, the circle and the line, as well as with the color and its interaction. She created a stimulant combination among mathematical principles of compositions of order and intuitive compositions, emptiness and abundance, color and lack of color, still and movement.

Richard Paul Lohse (1902-1988) se dedicó, desde 1943, a estructuras pictóricas horizontales y verticales. Para evitar de antemano cualquier impresión de intuición o espontaneidad artísticas, Lohse definió los parámetros concretos de todas sus obras antes de iniciar a crearlo. Las relaciones numéricas constituyen los cimientos de sus pinturas, determinan el formato, el número y la anchura de las franjas de color, así como el número de colores y su distribución.

Richard Paul Lohse (1902-1988) devoted himself, from 1943, to horizontal and vertical structures. To avoid any artistic impression of intuition or spontaneity, Lohse defined all the parameters of all his works before initiating it. The numerical relations constitute the foundations of his paintings, determine the format, the number and the width of the striping colors, as well as the number of colors and its distribution.

Tatsuo Miyajima

2008-05-01T17:23:00.006+02:00

El artista japonés Tatsuo Miyajima (nacido en 1957) comenzó haciendo "performances" pero desde 1987 se dedica a construir instalaciones con microbombillas LED. Vive y trabaja en Tokio.
"El tiempo lo conecta todo" dice Tatsuo Miyajima. "Quiero que la gente piense acerca del universo y del espírituo humano". "El rojo y el verde son colores opuestos. Para mí representan significados opuestos". Sus trabajos dan forma a los tres principios que guían el arte de Miyajima: "cambia, conéctate con todo, continúa para siempre".

The japanese artist Tatsuo Miyajima (born in 1957) began by making performance art, but since 1987 has been constructing installations using LED counters. He lives and works in Tokyo.Tatsuo Miyajima was born in 1957 in Japan. He began by making performance art, but since 1987 has been constructing installations using LED counters. He lives and works in Tokyo.'Time connects everything', says Tatsuo Miyajima. 'I want people to think about the universe and the human spirit.' 'Red and Green are basically opposite colours. For me, they represent different, opposing meanings', His works embody the three guiding principles of Miyajima's art: 'keep changing, connect with everything, continue forever.'

Julian Opie

2008-05-01T11:23:00.004+02:00

El inglés Julian Opie (nacido en 1958) es uno de los principales artistas británicos contemporáneos. Utiliza la imagen computadorizada. Su estilo desafía la distinción entre escultura, pintura y los objetos cotidianos, como los coches, los edificios o las carreteras. Su estética singular y geométrica recuerda a los iconos de los ordenadores, tal y como demuestran sus obras "It Is Believed That Some Dinosaurs Could Run Faster Than a Cheetah" (1991), "There are hills in the distance" (1996), "Your are driving a Volvo" (1996).

The British Julian Opie (born in 1958) is one of the leading English artists. His distinctive metal sculptures with household objects painted on their surfaces established his reputation in the early 1980s. His work includes painting, and both figurative and abstract sculpture. His work challenges the distinctions between sculpture, painting and the everyday objects of our modern environment, such as cars, buildings, and roads. His pared-down, minimal style recalls the economical aesthetic of computer icons or board games.

Manuel Ángeles Ortiz

2008-04-30T19:25:00.012+02:00

El pintor Manuel Ángeles Ortiz (1885-1984) es, junto con Rafael Zabaleta, el pintor giennense más importante de la historia y uno de los mayores representantes del arte español de mediados del siglo XX junto a Pablo Picasso, Juan Gris, S. Dalí y J. Miró. La mayor parte de su obra, con algún interludio surrealista, puede clasificarse dentro del "cubismo lírico" debido a la constante presencia de esencias poéticas en la misma. Cultivó con maestría, el gouache, la linografía, la litografía, la acuarela y el aguafuerte. Otros pintores de Jaén.

The painter Manuel Angeles Ortiz (1885-1984) is, together with Rafael Zabaleta, the most important of the Jaen (Spain) -born painters and one of the main representatives of the Spanish art of the mid-20th century together with Pablo Picasso, Juan Gris, S. Dali and J. Miro. Most of his work, with a certain surrealistic interlude, can be defined as "lyric cubist" due to the constant presence of poetical essences in it. He also praticed with mastery, the gouache, the lithography, the water-color and the etching. Other painters from Jaen.

New Spanish Architechture - Nueva Arquitectura Española

2008-04-30T17:47:00.010+02:00

Enric Miralles y Benedetta Tagliabue - Mercado de Santa Caterina (Barcelona) - Saint Catherin's Market

A-Cero Arquitectos (Joaquín Torres) - Torre en Dubai - Tower in Dubai

Carlos y Antonio Lamela - Expo Zaragoza 2008

Emilio Ambasz - Casa del Retiro Espiritual - The House of Spitirual Retreat

No existe un estilo "español" de arquitectura. Pero sí hay un elevado grado de calidad y belleza en los nuevos proyectos, probablemente más que en ningún sitio del mundo (quizás sólo igualado por la nueva arquitectura China). Sorprende la variedad y apertura. Spain is different.

There is no a "Spanish" architectural style. But there is an increasingly level of quality and beauty within the new projects, probably more than other part of the world (together with the New China Architechture). Their variety and open-minded lines are surprising. Spain is different.

Olafur Eliasson

2008-04-26T15:34:00.007+02:00

El artista danés Olafur Eliasson (nacido en 1967) vive actualmente en Berlín. Sus instalaciones juegan con los fenómenos de la física y, en ocasiones, impresionan por su desproporcionado tamaño. Tal es el caso de su Gran Espejo en forma de disco, colgado y suspendido horizontalmente desde el techo. El espejo rota lentamente lo que da una inquietante sensación de inestabilidad a toda la habitación. Sin embargo, su obra más extraordinaria es el Sol Artificial que creó en 2003 para la Tate Modern de Londres; miles de personas se tumbaban en el suelo del museo, como si estuvieran en la playa.

The Danish artist Olaful Eliasson (born in 1967) lives in Berlin. His installations uses pshysical phenomena and, sometimes, they are awe-inspiring due to their size. Such as the huge, tilted, disc-shaped Mirror suspended horizontally from a gallery ceiling. What strikes you at first is the omniscient, bird`s-eye reflection of the room below, with you standing in the middle of it. Then you notice that the mirror is rotating very slowly, and with a subtly undulating motion that causes the room itself feel warped and unstable. this tour-de-force fusion of nature and culture was nothing compared to the grand setting Sun he created from lights and haze at the Tate Modern (London) in 2003. It was a one-piece blockbuster. Tens of thousands of people came to soak in its glow, as if they were at the beach.

Cai Guo-Qiang

2008-04-26T11:23:00.012+02:00

El nuevo arte Chino está de moda. Caig Guo-Quiang (nacido en 1957) comenzó trabajando con pólvora para sentir la espontaneidad y contrastarla con la opresión que sentía en la China comunista. Mientras estuvo trabajando en Japón, de 1986 hasta 1995, Cai investigó las propiedades de la pólvora en sus dibujos, una búsqueda que desembocó en el uso de explosivos a gran escala y el desarrollo de sus eventos explosivos, ejemplificados en sus series "Projects for Extraterrestrials". Cai adquirió rápidamente fama internacional durante su estancia en Japón y su trabajo fue ampliamente admirado por todo el mundo. Sus dibujos usan una gran variedad de símbolos narrativos y tradicionales como el feng shui, la medicina china, los dragones, las montañas rusas, los ordenadores, las máquinas expendedoras y, por supuesto, la pólvora. Ha ganado varios premios y su reciente exposición en el museo Guggenheim de Nueva York se inauguró a principios de 2008 y se podrá visitar en Pekín (a mediados de 2008) y en el museo Guggenheim de Bilbao a principios de 2009.

Si te gusta Cai Guo-Qiang quizás también te guste Roman Signer.

The New Chinese art is cool. Cai Guo-Qiang (born in 1957) began working with gunpowder to foster spontaneity and confront the oppression that he felt from the controlled, communist, social climate in China at the time. While living in Japan from 1986 to 1995, Cai explored the properties of gunpowder in his drawings, an inquiry that eventually led to his experimentation with explosives on a massive scale, and the development of his signature explosion events, exemplified in his series, Projects for Extraterrestrials. Cai quickly achieved international prominence during his tenure in Japan and his work was shown widely around the world. His approach draws on a wide variety of symbols, narratives, traditions and materials such as feng shui, Chinese medicine, dragons, roller coasters, computers, vending machines and, of course, gunpowder. He has been awarded several prizes. His recent retrospective at the Guggenheim Museum in New York opened on February 2008 and will subsequently travel to the National Art Museum of China in Beijing in August 2008 and the Guggenheim Bilbao in Spain in spring 2009.

If you like Cai Guo-Qiang's works you may also like Roman Signer.

Augusto Monterroso

2008-04-25T17:22:00.011+02:00

El escritor guatemalteco e hispano universal Augusto Monterroso (1921-2003) es la máxima figura hispánica del género más breve de la literatura, el microrrelato, y una de las personalidades más entrañables, no sólo por su modestia y sencillez, sino también por su excepcional inteligencia y su exquisita ironía. Autodidacta, abandonó sus estudios tempranamente, para dedicarse por completo a la lectura de los clásicos, que amó con pasión, como a Cervantes, cuyo influjo es evidente en su obra.

The guatemalan and universal hispanic writer Augusto Monterroso (1921-2003) is the main hispanic figure of the most brief genre, the microtale, and one of the most loved personalities, due to his hubleness and also because his outstanding intelligence and exquisite irony. Self-taught, he left his studies quite early to read the classics, such as Cervantes, whose influence in Monterroso's work is evident.

El Dinosaurio: "Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí".

The Dinosaur: "When (she/it) he awoke, the dinosaur was still there"

Henk Peeters

2008-04-23T18:44:00.010+02:00

El holandés Henk Peeters (nacido en 1925) fue cofundador de las vertientes holandesas de los grupos Informel y Nul; siempre tuvo un objetivo definido en mente: crear arte que no tuviera valor y que pudiera ser imitado por cualquiera. Su meta era hacer un número ilimitado de múltiples trabajos que pudieran ofrecerse a precios reducidos, pero se encontró con la resistencia de los marchantes de arte. En sus obras, el sentido de la textura y el tacto son importantes, llegando a utilizar materiales como las plumas, la hierba y el algodón. ¿Cualquiera podría hacerlo?

The Dutch artist Henk Peeters (born in 1925) was co-founder of the Dutch versions of the artistic groups Informel and Nul; he always had a defined aim in his mind: to create Art that was valueless and could be imited by anyone. His goal was to create an unlimited numer of several works so that they could be sold them at reduced prices, but the Art Mechants did not allow him. In their works, textures and touch are important, he even uses materials such as feathers, grass and cotton. Could anyone do it?

Moveable Type: Ben Rubin and Mark Hansen

2008-04-21T09:50:00.005+02:00

Moveable Type es una instalación realizada por Ben Rubin y Mark Hansen, para el hall del nuevo edificio del New York Times en la ciudad de Nueva York.

El proyecto consiste en unas quinientas sesenta pantallas, repartidas a ambos lados de un pasillo, que reproducen frases que proceden de artículos publicados ese día, de artículos en redacción, de búsquedas realizadas por los usuarios en la web, de impresiones de los lectores, etc. El proyecto no se estanca en la imagen sino que simultanea estas proyecciones con el sonido de maquinas de escribir antiguas, canciones escuchadas en las antiguas redacciones, incluyendo así la memoria que posee un periódico fundado hace unos 150 años.

Moveable Type is an innovative instalation created by Ben Rubin and Mark Hansen, settled in the hall of the New York Times building in NYC. This work is made of five hundred small screens, spreaded in the walls of a corridor. In each screen can be seen sentences that come from articles from the paper published that day, in forums, blogs, etc. It also combines the text in the screens with simultaneous sounds of old songs or the sound of an old typing machine, so that the memory of this paper founded 150 years ago is merged.

Wim Mertens

2008-04-01T12:21:00.004+02:00

Struggle for pleasure

El compositor belga Wim Mertens (nacido en 1953) es uno de los máximos exponentes del minimalismo, junto a Philip Glass, Steve Reich, John Adams, Michael Nyman y Terry Riley. Mertens, que estudió Ciencias Políticas y Sociales, se formó en el Real Conservatorio de Gante y de Bruselas. La obra más conocida de Mertens es "Struggle for Pleasure", la cual fue elegida como música para los anuncios de los teléfonos móviles belgas Proximus.

The Belgian composer Wim Mertens (born in 1953) is one of the main exponents of the minimalism, together with Philip Glass, Steve Reich, John Adams, Michael Nyman and Terry Riley. Mertens, who studied Political and Social Sciences, completed his formation in the Royal Conservatoire of Ghent and of Brussels. His best known work is " Struggle for Pleasure ", which was chosen as music for the adverts of the mobile Belgian telephones Proximus.

Juan Muñoz

2008-01-31T21:00:00.004+01:00

Juan Muñoz (1953-2001) es uno de los referentes de la escultura del siglo XXI. Nacido en Madrid, en los años 70 viajó a Inglaterra a ampliar estudios, y allí conoció a su esposa, Cristina Iglesias. Además de la escultura, Muñoz se interesó en la creación de obras sonoras, produciendo algunos trabajos para radio. Uno de sus trabajos más reconocidos en este medio fue el que realizó junto con el compositor británico Gavin Bryars en los años 80, llamado A Man in a Room, Gambling (Un hombre en una habitación, apostando), una obra sorprendente por su belleza. Sus instalaciones a menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, dejando de sentirse espectador para formar parte de ellas. Sus figuras monocromáticas, gris plomo o color cera, ganan en intimidad y discreción. Muñoz planteaba que existían dos cosas imposibles de representar: el presente y la muerte, y que la única manera de llegar a ellas era por su ausencia.

The Spaniard Juan Munoz (1953-2001) is one of the reference of the sculpture of the 21st century. Born in Madrid, he went to England to extend studies, and there he knew his wife, Cristina Iglesias. In addition to the sculpture, Munoz was interested in the creation of sound works, producing some works for radio. One of his most important work in this field was the one that produced together with the British composer Gavin Bryars in 1980 titled "A Man in a Room, Gambling", an outstanding and absolutelly beautiful work. His instalations often invite the spectator to relate to them, alowing him to become part of them. His monochromatic figures, gray lead or wax, are full of intimacy and discretion. Muñoz stated that there were two things impossible to represent: the present and the death, and that the only way of arriving to them was thanks to their absence.

Play Doh Bunnies - Conejitos de Plastilina

2007-11-19T16:30:00.003+01:00

Anuncio de Sony Bravia. Sin comentarios. Sorprendente. Música de los Rolling Stones. Cómo se hizo.

Sony Bravia advert. No comment. Astonishing. Music by the Rolling Stones. Making off.

Gramazio & Kohler: Zurich Bahnhofstrasse

2007-11-18T17:16:00.000+01:00

Los arquitectos Fabio Gramazio y Matthias Kohler iluminaron la "Calle de la Estación" de Zurich con 275 bastones en los cuales había conectadas más de 250.000 microbombillas que se encienden alternativamente, creando bellas impresiones. Como una melodía traducida en luz, estas luces crearon una fascinante atmósfera navideña.

In 1971, the Bahnhofstrasse of Zürich introduced the first unified Christmas illumination. Now, on November 23rd and after 34 years, the canopy of lights was replaced by the «World’s Largest Timepiece», an installation by the two young Zürich architects Fabio Gramazio and Matthias Kohler. 275 rods with almost 250.000 individual light-emitting diodes (LED) align into a shining curtain, spanning the center of the Bahnhofstrasse from the railway station to the shore of lake Zürich. Special software was designed to control the LEDs, creating a wealth of ever changing impressions and moods. Like a melody transposed into light, the lingering motives evolve a fascinating Christmas atmosphere, reflecting the time of the day and the approaching Christmas days.

Cristina Iglesias

2007-10-27T23:29:00.003+02:00

La escultora y grabadora guipuzcoana Cristina Iglesias (nacida en 1950) trabaja con materiales industriales como el hormigón, el hierro y el cristal, combinados con motivos vegetales como el bambú y la hojarasca. A menudo cubre las superficies de sus obras con patrones de follaje.
Las esculturas de Iglesias se acompañan de serigrafías en gran formato sobre seda o cobre. Estos trabajos crean una ilusión de profundidad espacial y desdibujan aún más la distinción entre el entorno natural y el espacio construido. Su última obra es la puerta de la ampliación del Museo del Prado de Rafael Moneo, convirtiéndose así en una de las dos únicas mujeres que exponen en este museo (la otra es Artemisia Gentileschi) y en un referente de la Escultura a nivel mundial. En Inglaterra conoció a su marido, el escultor Juan Muñoz.

The Spanish sculptress and engraver Cristina Iglesias (born in 1950) uses industrial materials, such asconcrete, iron and crystal, combined with vegetable, bamboo and verbiage themes. She often covers the surfaces of her works with bosses of foliage. Iglesias' sculptures lies together with silk-screen printings in great format on silk or copper. These works create an illusion of spatial depth and blur the distinction between the natural environment and the constructed space. Her last work is the door of the new Museo del Prado by Rafael Moneo, becoming by this way one of two only women who exhibit in this museum (the other one is Artemisia Gentileschi) and becoming as well a reference of the Sculpture worldwide. In England, she met her husband, Juan Munoz.

Querer comprender

2007-10-19T16:56:00.001+02:00

A pesar de ser un periódico ideológica y políticamente sesgado y de cuestionable veracidad y poca o nula credibilidad, el último anuncio publicitario de "El País" es de una gran belleza y calidad técnica.

In spite of the fact that it is an ideological and politicaly biased newspaper with an uncertain, dubious and doubtful veracity and no credibility, the last spot of "El País" is full of beauty and technical quality.

Max Grueter

2007-10-18T22:16:00.000+02:00

El artista suizo Max Grüter (nacido en 1955) estudió en la escuela de Artes y Oficios de Zúrich. Desde la década de los noventa ha sido ilustrador y creador de instalaciones. Durante esa época y hasta ahora ha buscado y desarrollado su propio lenguaje, y actualmente le ha dado por aprender programas de diseño en 3D y diseñar únicamente astronautas. Fuera de su fijación actual sus exposiciones incluyen "Prefabricado" (donde expuso reproducciones en plástico de personas y de objetos cotidianos desmontables) de 1998, "Test de choque para cosas favoritas" (donde fabricó un divertido e impactante dispositivo para destruir cosas, puedes ver vídeo de arriba) de 2003 y "Mar abierto" (donde situó varias reproducciones gigantes de buzos en un lago suizo) de 2004. Nunca dejará de sorprendernos.

Si te ha gustado Max Grüter quizás te gusten también las obras de Roman Signer.

The Swiss artist Max Grüter (born in 1955) studied Arts & Crafts in Zurich. From the 1990's he has been ilustrator and creator of several instalations. During that time until now he has searched and developed his own language, and nowadays he has been autodidactically learning 3D-design programs and drawing only astronauts. In adittion (a part from his punctual astronautical fixation) his expositions include "Prefabricated" of 1998, "Crash Test for Favourite Things" (where he made a funny and full-of-impact device to destroy things, you can watch the video above) of 2003, and "Rough Sea" (where he put several plastic-reproductions of scuba-divers in a Swiss lake) of 2004. He will never stop surprising us.

If you like Max Grüter, you may also like Roman Signer's works.

TENORI-ON Toshio Iwai

2007-10-18T16:55:00.000+02:00

El japonés Toshio Iwai (nacido en 1962) es artista audiovisual y creador de videojuegos. Su proyecto más innovador es el desarrollo de un nuevo instrumento musical digital e interactivo llamado Tenori-On. Compuesto de un tablero iluminado de dieciséis por dieciséis leds, pueden ser aactivados a voluntad para crear una increíble variedad de sonidos y ambientes.

Toshio Iwai (born in 1962) is a Japanese interactive media artist and commercial videogames creator. A current project of Iwai's, (in collaboration with Yamaha Corporation), is the creation of a new interactive digital musical instrument. Called Tenori-on, the instrument is a sixteen-by-sixteen array of illuminated LED switches which can be activated in a variety of ways to create a changing musical soundscape.

Usman Haque

2007-10-18T16:48:00.001+02:00

El arquitecto y artista afincado en Londre, Usman Haque (nacido en 1971) diseña sistemas arquitectónicos interactivos y se interesa por el modo en que la gente se relaciona con los otros y con el espacio que le rodea. Haue ha creado entornos que responden, instalaciones interactivas, y "performances" de participación masica. Su trabajo más aclamado se llama "Sky Ear" donde miles de globos rellenos de helio y teléfonos móviles. Los globos contienen circuitos en minuatura que responden a los campos electromagnéticos, sobre todo a los de los teléfonos. Cuando se activan, los sensores se coordinan para iluminar unas microbombillas ultrabrillantes. Así los globos brillan mientras cruzan el cielo.
Otras obras incluyen "Evoke" (una proyección masiva y animada que ilumina la fachada de la Catedral Protestante de York en respuesta al público, que usa su voz para evocar los patrones luminosos que emergen) y "Burble London" (similar a "Sky Ear")

The London-based architect and artist Usman Haque (born in 1971) designs interactive architectural systems and is interested in the ways that people relate to each other and to their surrounding space. Haque has created responsive environments, interactive installations, digital interface devices and mass-participation performances. His most acclaimed work is called "Sky Ear" in wich one thousand glowing helium balloons are filled with several dozen mobile phones. The balloons contain miniature sensor circuits that respond to electromagnetic fields, particularly those of mobile phones. When activated, the sensor circuits co-ordinate to cause ultra-bright coloured LEDs to illuminate. The 30m cloud glows and flickers brightly as it floats across the sky.
Other works include "Evoke" (a massive animated projection that lights up the facade of York Minster in response to the public, who use their own voices to "evoke" colourful light patterns that emerge at the building's foundations), "Burble London" (quite similar to "Sky Ear").

Giovanni Papini

2007-10-18T15:20:00.000+02:00

Giovanni Papini (1881-1956) es uno de lo mayores escritores italianos del siglo XX. Nació en Florencia y desde 1903 fundó varias revistas literarias (Il Leonardo, Anima, Lacerba). En aquella época Papini era un convencido agnóstico, con toques de anticlericalismo, hasta que en 1921 anunció su conversión al catolicismo y la publicación de Historia de Cristo (Storia di Cristo). En 1931 publica Gog, su mejor obra en opinión de muchos. No será hasta 1951 cuando publicará su continuación, El libro negro (Il libro nero). Fue en 1956 cuando en su lecho de muerte, dictó a su hija su última obra, El Diabo (Il Diavolo). En ésta, Papini postula que el amor de Dios al ser tan grande y magnífico, al llegar el Juicio Final, se compadecerá de todos los sufrientes, cerrará el Infierno y redimirá a todos los pecadores, incluso al propio Satanás.

Sus letras influyeron en toda una época y tuvieron una honda influencia en la literatura italiana, y también internacional. Polemista apasionado, Papini dejó en su autobiografía, (Un hombre acabado), una melancolía en páginas por muchos considerada su obra principal.

En palabras de Jorge Luis Borges, "Si alguien en este siglo es equiparable al egipcio Proteo, ese alguien es Giovanni Papini, que alguna vez firmara Gian Falco, historiador de la literatura y poeta, pragmatista y romántico, ateo y después teólogo."

Download - Giovanni Papini - Gog.pdf

Download - Giovanni Papini - El libro negro.pdf

Giovanni Papini (1881-1956) is one of the main Italian writers of the XXth century. He was born in Florence and from 1903 he founded several literary magazines (Il Leonardo, Anima, Lacerba). In that time, Papini was a convinced agnostic, sometimes anticlerical, until in 1921, when he announced his conversion to the Roman Catholicism and the publication of Christ's History (Storia di Cristo). In 1931 he published Gog, may be his best work. In 1951 he publishes its second part, The black book (Il libro nero). In 1956, in his bed of death, he dictated to his daughter, his last work, The Devil (Il Diavolo). In this work, Papini postulates that the God's love is such a big and magnificent love that when the Final Judgment comes, He will forgive ereryone, the Hell will be closed and He will redeem all the sinners, even the own Satan. His words influenced in the whole epoch and had a deep influence in the Italian literature, and also international. Passionate debater, Papini left in his autobiography, (A finished man), a melancholy in pages for many considered his principal work.

As Jorge Luis Borges once said, "If someone in this century is comparable to the Egyptian Proteo, this someone is Giovanni Papini, who once a time signed as Gian Falco, historian of the literature and poet, pragmatist and romantic, atheistic and later theologian."

Giovanni Sollima's Violoncello - El chelo de Giovanni Sollima

2007-10-16T20:47:00.000+02:00

Giovanni Sollima (nacido en 1962) es un chelista y compositor italiano. Estudió violonchelo en Palermo, donde se graduó con los máximos honores. Posteriormente estudió en Musikhochschule de Stuttgart y en el Universität Mozarteum Salzburg.
La música de Sollima (sobre todo para chelo) está claramente influida por el minimalismo, con obras en las que destacan estructuras modales y repetitivas, plenas de un virtuosismo desbordante y de melodías realmente bellas y sorprendentes. Debido a que sus obras se carazterizan por unas raíces más diversas y eclécticas que el minimalismo clásico, Sollima ha sido definido como un compositor del postminimalismo.

Giovanni Sollima (born in 1962) is an Italian composer and cellist. He studied cello in Palermo, where he graduated with highest honors. He later studied at the Musikhochschule Stuttgart and at the Universität Mozarteum Salzburg. Sollima's music is influenced by minimalism, with his compositions often featuring modal and repetitive structures, full of an outstanding virtuosism and surprisingly beuty melodies. Because his works are characterized by a more diverse and eclectic approach to material than the early American minimalist composers, Sollima has been termed a postminimalist composer.

Download - Giovanni Sollima - Violoncelles, Vibrez!

The most difficult pieces for piano - Las piezas más difíciles para piano.

2007-10-07T16:15:00.000+02:00

1. La obra más difícil para piano es Opus Clavicembalisticum, del británico-indio Kaikhosru Shapurji Sorabji. No hay video disponibles.

1. The most difficult piece for piano is Opus Clavicembalisticum, composed by the Indo-British Kaikhosru Shapurji Sorabji. No videos available.

2. Valentina Lisitsa; Sergei Rachmaninov: Etude Tableau op.39 n.6.

3. Simone Ferraresi: Ludwig van Beethoven: Hammerklavier Sonata.

4. Ivo Pogorelich: Maurice Ravel: Gaspard de la Nuit.

5. Julius Katchen: Franz Schubert: Fantasia Wanderer.

6. Marc-André Hamelin: Leopold Godowsky: Studies con Chopin's Etudes.

7. Vladimir Horowitz: Sergei Rachmaninov: Piano Concerto No.3.

8. Wen-Yu Shen: Mily Balakirev: Islamey.

Las piezas NO están ordenadas por orden de dificultad (salvo Opus Clavicembalisticum).

The pieces are NOT ordered by difficulty (only Opus Clavicembalisticum is).

Victor Erice

2007-09-16T18:35:00.000+02:00

El director de cine vizcaíno Víctor Erice (nacido en 1940) es probablemente el mejor cineasta español de la historia. Pese a su escasa producción (sólo ha rodado tres largometrajes en los cuarenta años de vida artística), sus obras, rodadas con una pulcritud y esmero con tomas antológicas, están llenas de intimismo, cotidianeidad y transcendencia. Su película "El sol del membrillo" cuyo protagonista es el pintor Antonio López, es considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos. Mostramos aquí tres escenas de su película "El espíritu de la colmena"

The Spanish film maker Victor Erice (born in 1940) is probably the best Spanish filmmaker of the history. In spite of his scarce production (he only has made three full-lenght films in forty years of artistic life), his works have an extrordinary tidiness and conscientiousness with memorable captures, are full of intimacy, ordinariness and significance. His movie " The Sun of the quince " which protagonist is the painter Antonio López , is considered to be one of the best films ever made. We show above three scenes of his film "The spirit of the beehive".

Escena de El sol del membrillo - Scene from The sun of the quince

Smoke Art - Arte con Humo

2007-08-30T17:00:00.000+02:00

Estatuas de humo - Smoke statues

Fotografías de humo - Smoke photography

New China Architecture - Nueva Arquitectura de China

2007-08-28T20:01:00.001+02:00

A pesar de que se ha comprobado ampliamente de que el comunismo es un sistema ineficaz y autodestructivo, algunos países siguen teniendo rasgos de esta ideología política. Tal es el caso de China que, a pesar de violar continuamente los derechos humanos, será la encargada de organizar los próximos Juegos Olímpicos de 2008 en su capital, Pequín. Aprovechando este motivo las autoridades chinas han encargado impresionantes y monumentales obras a los más prestigiosos arquitectos del mundo. Estas obras quieren ser reflejo de la China abierta, moderna y occidentalizada. China está de moda.

In spite of the fact that it has been widely verified that Communism is an ineffective and self-destructive system, some countries continue having features of this political ideology. Such it is the case of China that, in spite of constantly violating the human rights, will organize the next Olympic Games of 2008 in Beijing. By the way, the Chinese authorities have entrusted impressive and monumental buildings to the most prestigious architects. These works want to be the image of the new, open-minded, modern and occidentalized China. New China is cool.

Central of Chinese Television - Central de la Televisión China (CCTV) - Koolhaas.

Olympic Stadium - Estadio Olímpico - Herzog & DeMeuron.

Beijing International Airport - Aeropuerto Internacional de Pequín - Norman Foster.

National Grand Theater - Gran Teatro Nacional - Paul Andreu.

Elliot Erwitt

2007-08-23T10:52:00.000+02:00

Elliot Erwitt (nacido en 1928) es una leyenda viva de la fotografía. A parte de la gran belleza que sus imágenes destilan, destaca también una fina ironía en varias de ellas. Erwitt, nacido en París pero emigrado a Estados Unidos, ha fotografiado a los protagonistas de la historia reciente (Kennedy, Marilyn Monroe, Nixon, Jrushchov y un largo etcétera).

Elliot Erwitt (born in 1928) is an alive legend of the photography. In adition of the great beauty that his images reveal, a sutile irony stands out also in several of them. Erwitt (born in Paris but emigrant to USA), has photographed several of the protagonists of the recent history (Kennedy, Marilyn Monroe, Nixon, Jrushchov and a long etc).

Max Richter

2007-08-23T10:39:00.000+02:00

El compositor Max Richter nació en Alemania en 1966, pero actualmente vive en Inglaterra. Sus creaciones mezclan estilos clásicos para crear lo que él mismo llama música post-clásica. Estudió composición en Edimburgo, Londres y Florencia y ha fundado su propio grupo de música clásica llamado Piano Circus. A pesar de que la influencia de Philip Glass, Arvo Pärt, Michael Nyman o Steve Reich es fácilmente reconocible en su música, las obras de Richter tienen un toque familiar y propio que las hace indiscutiblemente bellas y sublimes. Puedes descargar gratis algunas de sus obras más abajo.

German-born composer Max Richter (1966), blends several classical styles into new sounds that himself calls post-clasical music. He studied composition at Edinburgh, London and Florence and founded his classical music group called Piano Circus. In spite of the fact that the influence of Philip Glass, Arvo Pärt, Michael Nyman or Steve Reich is easily recognizable in his music, Richter's works have a familiar and unique touch that makes them indisputably beautiful and sublimes. You can free download some of his songs below.

Antonio López García

2007-08-15T17:09:00.002+02:00

El pintor español Antonio López (nacido en 1936) convierte la cotidiana realidad en obras de arte. La vida, lo temporal, el deterioro de lo material son los motivos de sus obras, de gran realismo aunque con un toque ciertamente mágico, características de la escuela de la que es iniciador, el "realismo mágico" o hiperrealismo. López es actualmente uno de los artistas españoles vivos más importantes (junto a Miquel Barceló, Antoni Tapiès y Manolo Valdés) y su obra ha sido reconocida con varios e importantes galardones.

The Spanish painter Antonio Lopez (born in 1936) turns the daily reality into works of art. The life, the temporary things, the deterioration of the material things are the motives of his works, of great realism though with a certainly magic touch, characteristics of the school that he founded, the "magic realism" or hyperrealism. López is nowadays one of the most important Spanish alive artists (together with Miquel Barceló, Antoni Tapiès and Manolo Valdés) and his work has been recognized with different and important awards.

Video: Antonio López aconsejando a un joven pintor.

Video: Antonio Lopez advising a young artist.

Escena de El sol del Membrillo de Víctor Erice

Scene from The Sun of the Quince, by Victor Erice

Igor Mitoraj

2007-06-13T13:13:00.000+02:00

El escultor polaco Igor Mitoraj (nacido en 1944) es uno de los escultores más importantes del panorama actual. Su estilo parte de la tradición clásica y evoluciona hacia un estilo propio, aumentando desproporcionadamente el tamaño de sus obras o truncando las extremidades deliberadamente. Miroraj utiliza los materiales más toscos y resitentes (piedra, mármol, bronce) y los transforma en formas humanas sensibles.

Más obras del artista / Additional works by the artist

The Polish sculptor Igor Mitoraj (born in 1944) is one of the most important sculptors of the current panorama. His style departs from the classic tradition and evolves towards an own style, increasing disproportionately the size of his works or truncating the extremities deliberately. Miroraj uses the coarsest materials (stone, marble, bronze) and he is able to transform them into human sensitive forms.

Anselm Kiefer

2007-06-08T16:22:00.000+02:00

El artista alemán Anselm Kiefer (nacido en 1945) utiliza los símbolos como medios de expresión. A través del fuego, la tierra, las plantas, los cuales reflejan ideas trascendentes y mitológicas. Su obra, caracterizada por grandes pinceladas a las que agrega alquitrán, láminas de plomo y paja, goza de gran monumentalidad. Imponente.

The German artist Anselm Kiefer (born in 1945) uses the symbols as mean of expression. Across the fire, the land, the plants, which reflect transcendent and mythological ideas. His work characterized by big brushstrokes to which he adds tar, sheets of lead and straw, enjoys great monumentality. Awe-inspiring.

Morris Louis

2007-04-03T11:45:00.000+02:00

El pintor estadounidense Morris Louis (1912-1962) es una de las figuras clave del expresionismo norteamericano. Utiliza la misma técnica que Frankenthaler, diluyendo pintura acrílica y esparciéndola en el lienzo, de modo que las manchas dan la impresión de ser alas. Louis rechaza la forma y la luz en favor del color puro. Maravilloso.

The American painter Morris Louis (1912-1962) is one of the key figures of the North American expressionism. He uses the same technique as Frankenthaler, diluting acrylic painting and spreading it in the canvas, so that the stain give the impression of becoming wings. Louis rejects the form and the light in favor of the pure color. Wonderful. I love it.

Claes Oldenburg

2007-04-03T11:23:00.002+02:00

El artista sueco Claes Oldenburg (nacido en 1929) es famoso por usar imágenes agigantadas y absurdas que representen iconos del siglo XX. Son obras tan descomunales que producen una gran sensación de incredulidad, aunque al reproducir estos símbolos fuera de su contexto, el artista acentúa su fuerza e impacto visual. Oldenburg desea que su obra refleje la vida cotidiana contemporánea con toda su complejidad y constantes cambios.

The Swedish artist Claes Oldenburg (born in 1929) is famous for using gigantic and absurd images that represent icons of the 20th century. They are so extraodinary works that produce a great sensation of incredulity, though on having reproduced these symbols out of its context, the artist accentuates their force and visual impact. Oldenburg wishes that his work reflects the daily contemporary life with all its complexity and constant changes.

Michelangelo Buonarotti: Pietá

2007-02-14T09:35:00.000+01:00

La Piedad de Miguel Ángel. Probablemente la escultura más bella de toda la historia de la humanidad. Sin comentarios.

Probably the most beautiful sculpture in all history of mankind. No comment.

Isa Genzken: flowers

2007-02-13T12:16:00.000+01:00

La fotógrafa y escultora alemana Isa Genzken (nacida en 1948) crea estas delicadas (pero gigantes) flores para exponerlas y fotografiarlas durante poco tiempo. A nadie le amarga un dulce.

The German photographer and sculptress Isa Genzken (born in 1948) creates these delicate (but giants) flowers to expose and to photograph them during a little time. Nobody us embittered by a sweet.

Roman Signer

2007-02-13T11:46:00.003+01:00

El artista suizo Roman Signer (nacido en 1938) no deja indiferente a nadie. Desde los que le tachan de payaso hasta los que le consideran un gurú del arte contemporáneo. Con los eventos e instalaciones que utiliza desde los años 70, Signer ha llegado a una nueva definición de escultura, que incluye las dimensiones del tiempo, aceleración y cambio en todo su proceso donde explora todas las posibilidades de nuevos medios. Sus acciones públicas y espectaculares con dinamita, explosiones o esprays son sólo una parte del mundo de este genial artista, lleno de humor y de curiosidad. Parece querer preguntarse "¿qué pasaría si...?".

Si te gusta Roman Signer, quizás te interese también la obra de Max Grüter.

The Swiss artist Roman Signer (born in 1938) does not leave anybody indifferent. From those that call him a clown up to those who consider him to be a guru of the contemporary art. With the events and facilities that he uses from the 70's, Signer has conceived a new definition of sculpture, which includes the dimensions of the time, acceleration and change in all its process, where he explores the possibilities of new tools. His public and spectacular actions with dynamite, explosions or sprays are only a part of the world of this brilliant artist, full of humor and curiosity. He seems to ask himself "what would happen if...?".
If you like Roman Signer's works, you may also like Max Grueter.

www.elmedicoesceptico.blogspot.com

Glenn Gould

2007-02-10T16:55:00.000+01:00

So you want to write a fugue.You got the urge to write a fugue.You got the nerve to write a fugue. So go ahead, so go ahead and write a fugue.Go ahead and write a fugue that we can sing. Pay no heed, Pay no mind.Pay no heed to what we tell you,Pay no mind to what we tell you.Cast away all that you were told. And the theory that you read. As we said come and write one,Oh do come and write one,Write a fugue that we can sing. Now the only way to write oneIs to plunge right in and write one.Just forget the rules and write one,Just ignore the rules and try.
And the fun of it will get you. And the joy of it will fetch you.Its a pleasure that is bound to satisfy.When you decide that John Sebastian must have been a very personable guy. Never be cleverfor the sake of being clever,for the sake of showing off. For a canon in inversion is a dangerous diversion, And a bit of augmentation is a serious temptation,While a stretto diminution is an obvious allusion. For to try to write a fugue that we can sing. And when you finish writing itI think you will find a great joy in it. or so...Nothing ventured, nothing gained they sayBut still it is rather hard to start.Well let us try right now.Now we are going to write a fugue.We are going to write a good one.We are going to write a fugue ... right now.

El pianista canadiense Glenn Gould (1932 – 1982) is es conocido principalmente por sus grabaciones de música de Bach. Dejó la interpretación en directo en 1964 para dedicarse exclusivamente a la grabación. En 1945 tuvo su primera interpretación pública y durante el año sigueinte apareció en la orquesta. Su primer concierto fue en 1945 y su primera retransmisión a través dela radio fue en la cadena canadiense CBC en 1950. En 1957 Gould hizo una gira por la Unión Soviética, siendo el primer ciudadano norteamericano que tocó allí desde la Segunda Guerra Mundial. En 1964 fue su último concierto público, centrándose desde entonces en la grabación, composición y retransmisión.Falleció en Toronto.

El estilo de Gould es no sólo técnicamente perfecto sino también repleto de toques personales. Sus tarareos y movimientos dan a sus interpretaciones un toque personal y único. Sus grabaciones más famosas son las de las Variaciones Goldberg de Bach de las cuales hizo dos: una en 1964 y la otra antes de morir, en 1982. Entre una y otra es patente la evolución de su estilo como pianista. Gould también era un buen compositor. Nos dejó su agradable y sorprendente trabajo "So do you want to write a fugue?" (¿Así que quieres escribir una fuga?) en el cual un cuarteto de voces nos explica como componer esta compleja forma musical.

The Canadian pianist Glenn Gould (1932 – 1982) is noted especially for his recordings of Johann Sebastian Bach's keyboard music. He gave up live performance in 1964, dedicating himself to the recording studio for the rest of his career.

In 1945, he gave his first public performance, and the following year he made his first appearance with an orchestra. His first public recital followed in 1947, and his first recital on radio came with the CBC in 1950. This was the beginning of his long association with radio and recording. In 1957, Gould toured the Soviet Union, becoming the first North American to play there since World War II. In 1964, Gould gave his last public performance. For the rest of his life he eschewed live performance, focusing instead on recording, writing, and broadcasting. He died in Toronto.

Gould's style is not only technically perfect, but also full of personal imprinting. His hummings, movements, eye movements give his performances an unique touch. He most famous performances are the ones of J.S. Bach's Goldberg Variations. He recorded it twice, once in 1964 and the other in 1982: the different style and his evolution as pianist are clear. Gould was also a talented composer. He left us his absolutely gorgeous work "So do you want to write a fugue?" in which he explains us how to compose this complex musical structure.

Glenn Gould usually hummed while he played, in fact in most of his recordings it's quite easy to discern his humming. Gould also was known for his peculiar body movements while playing, and for his insistence on sameness. He would only play concerts while sitting on an old chair his father had made. He continued to use this chair even when the seat was completely worn through.Gould was so afraid of being cold that he wore heavy clothing, including gloves, even in warm places. He also disliked social functions. He had an aversion to being touched, and in later life he limited personal contact, relying on the telephone and letters for communication. "No doubt about it—that nut's a genius"said an orchestra conductor once.

Christo and Jeanne-Claude

2007-02-08T17:36:00.000+01:00

Las creaciones de Christo y Jeanne-Claude (nacidos en 1935) trascienden el arte para convertirse en parte integrante e integrada del paisaje, ya sea urbano o rural. Sus ideas crean siempre grandes espectativas y nunca dejan indiferente a nadie, seguidores y detractores.

The creations of Christo and Jeanne-Claude (both born in 1935) become fully integrated in the landscape, already be urban or rural. Their ideas always set big expectations and they never let anybody indifferent, both upporters and detractors.

Claude Monet: pastels & drawings

2007-02-03T17:13:00.000+01:00

El pintor francés Claude Monet (1840-1926) es uno de los mayores genios de la Historia del Arte. Siempre será siempre recordado por sus oníricos lienzos impresionistas de pinceladas difusas, catedrales, el litoral y por su puesto, sus famosos lirios de agua de su querida casa en Giverny. Sin embargo, sus dibujos y pasteles son inmerecidamente menos conocidos. A pesar de ello, en los pasteles de Monet están presentes no sólo la mano maestra de sus óleos sino también una mirada más intimista y personal, si cabe, de la naturaleza.

The French painter Claude Monet (1840-1926) is one of the greatest genious in History of Art. He will forever be known for his dreamy Impressionist canvases of grain stacks and cathedrals, the seaside and of course the famous water lilies and gardens that surrounded his beloved home in Giverny. Notwhithstanding, his drawings and pastels are undeservedly less known. In spite of that, in Monet's pastels are present not only the master handwork of his oils but also a furthermore intimist and personnel look towards Nature.

Miquel Barceló: Capilla del Santísimo

2007-02-02T12:06:00.000+01:00

Pensando desde la humanidad, desde la sensación y el tacto, modelando desde la veneración de la materia y haciendo del propio cuerpo el único instrumento posible. Así ha materializado Miquel Barceló su milagro cerámico de los panes y los peces en la Catedral de Palma.
Como una gran ola de barro rompiendo vigorosa bajo el cielo nervado de la capilla gótica medieval. Como una marea arenosa que arrastrara consigo la bulliciosa memoria del mar. Como una piel tatuada por los frutos de la tierra. Terrenal, literalmente excesiva como lo es la veracidad de la vida. Pero también con una espiritualidad esencial y austera.
Con la conciencia del propio destino y la certeza de un diálogo íntimo con la fe cristiana y con esas otras intervenciones que impregnaron la Seo del aliento de aquella contemporaneidad que ya es historia: las de Antoni Gaudí y Josep Maria Jujol.
Llevando la expresividad de un lenguaje y una técnica a límites inéditos. Arrancando a la materia nuevos registros simbólicos. Agrietándola y golpeándola, cociéndola hasta obtener de la arcilla las texturas rugosas de la tierra. Dibujando con las manos hasta perder las huellas de los dedos. Vertiéndose prácticamente a sí mismo en ese lienzo colosal que revela “la transmutación del fango en panes y peces”.
El lienzo cerámico de Miquel Barceló es el mejor compendio iconográfico, la mejor escultura, pintura y obra cerámica que haya realizado hasta ahora. Seguramente su creación más personal y más sincera. Su obra maestra. Todo Barceló está en este paño árido y hermoso en el que el cuerpo de Cristo tiene el mismo color y consistencia que esa tierra agrietada que gime agonizante la herida de su sequedad. Con esta obra, Barceló se convierte probablemente en el artista vivo más importante del mundo.

Miquel Barceló's ceramic canvas is the best iconographic compendium, the best sculpture, painting and ceramic work that he has created until now. Probably his more personal and more sincere creation. His masterpiece. The whole Barceló is in this arid and beautiful cloth in which Christ's body has the same color and consistency that the cracked land that cries the wound of His dryness. With this new work, Barceló has probably become the most important alive artist worldwide.
Conceived from the humanity, from the sensation and the tact, shaping from the worship of the matter and using the own body as the only possible instrument. This way Miquel Barceló has materialized his miracle of the breads and the fish in the Cathedral of Palma. As a great wave of mud breaking vigorous under the sky of the gothic medieval chapel. As a sandy tide that was dragging and obtains the boisterous memory of the sea. As a skin tattooed by the fruits of the land. Earthly, literally excessive since it is the veracity of the life. But also with an essential and austere spirituality. With the consciousness of his own destiny and the certainty of an intimate dialogue with the Christian faith and with these other interventions that impregnated the Cathedral of the breath of that contemporaneousness that already is a history: those of Antoni Gaudí and Josep Maria Jujol. Taking the expressiveness of a language and a skill to unknown limits. Extracting to the matter new symbolic records. Cracking it and striking her, baking it up to obtaining of the clay the rugose textures of the land. Drawing with the hands up to losing the fingerprints of the fingers. Being spilt practically to yes same in this colossal linen that the transmutation of the mire reveals " in breads and fish ".

Annie Leibovitz: Disney

2007-01-31T17:52:00.000+01:00

La fotógrafa Annie Leibovitz (nacida en 1949) alcanza sus efectos sin aparente artificialidad y con un talento - a menudo escandaloso - que aleja su trabajo del de otros artistas de retrato. El trabajo publicitario de Leibovitz, al que ella brinda una frescura y dramatismo equivalentes, ha atraído a muchos clientes importantes. En este caso ha querido recrear las fantasías de Disney de un modo tan realista como es el de la imagen verdadera, a través de iconos actuales como son la actriz Scarlett Johannson (caracterizada como Cenicienta), el futbolista David Beckham (caracterizado como el príncipe azul), la cantante Beyoncé (caracterizada como Alicia en el País de las Maravillas), el tenista Federer (como el rey Arturo), las actrices Julie Andrews, Rachel Weisz y Abigail Breslin (como la Hada Madrina, Blancanieves y aprendiz de hada, respectivamente), Jeniffer Lopez y su marido Marc Anthony (como Aladdin y Jasmine), Woopy Goldber (como el Genio), Jessica Biel (como Pocahontas), Gisele Bundchen (como Wendy) y el bailarín Mikhail Baryshnikov (como Peter Pan).

The photographer Annie Leibovitz (born in 1949) reaches her effects without apparent artificiality and with a talent - often scandalously - that moves away her work from that of other artists of portrait. Leibovitz's advertising work, to which she offers an equivalent freshness and dramatic quality, has attracted many important clients. In this case she is to recreate Disney's magic world of a way as realistic as the real image, using current celebrities as icons such as the actress Scarlett Johannson (as Cinderella), the football player David Beckham (as the Blue Prince), the singer Beyonce(as Alice in Wonderland), the tennis player Federer (as the King Arthur), and the actresses Julie Andrews, Rachel Weisz and Abigail Breslin (as The Fairymother, Snow white and the Fairymother aprentice).

Richard Long: Landart

2007-01-29T09:55:00.000+01:00

El británico Richard Long (nacido en 1945) ha ampliado la definición de la escultura añadiéndole una dimensión temporal; sus obras son testimonios de los viajes del autor a través de la naturaleza: a veces son sencillos conjuntos de piedra y maleza, o hileras de rocas. Es el poeta de la naturaleza. El creador del Land-art.

The Britisher Richard Long (born in 1945) has extended the definition of the sculpture adding a temporary dimension; his works are testimonies of the trips of the author across the nature: sometimes they are simple sets of stone and undergrowth, or rock rows. He is the poet of the nature. The creator of the Land-art.

Jeff Koons: Puppy

2007-01-29T09:48:00.000+01:00

Esta enorme escultura evoca la ternura de un pequeño cachorro. Está formada por plantas vivas y que, al marchitarse, hace que la obra se autodestruya, convirtiéndose así en una metáfora de la vida misma. Personalmente opino que esta es la mejor de las obras del estadounidense Jeff Koons (nacido en 1955). Sus demás obras no dejan indiferente y siempre intenta polemizar no sólo con el motivo de sus creaciones sino también con sus materiales.

This enormous sculpture evokes the tenderness of a small puppy. It is formed by alive plants and that, on having faded up, does that the work self-destructs, turning this way into a metaphor of the life itself. Personally I think that this one is the best of the works of the American Jeff Koons (born in 1955). His other works do not stop indifferently and always ihe tries to polemize not only with the motive of his creations but also with its materials.

Mark Rothko

2007-01-29T09:36:00.000+01:00

Las armoniosas manchas de los lienzos del pintor estadounidense (nacido ruso) Mark Rothko (1903 - 1970) flotan etéreas con un brillo mágico y nebuloso. Parece que ocultan alguna verdad evidente, como una larga meditación. Rothko solía usar formatos muy grandes. Él mismo decía que "pinto cuadros grandes porque te mete dentro de inmediato".

The harmonious spots of the canvas of the American painter (born Russian) Mark Rothko (1903 - 1970) etherealy float with a magic and nebulous sheen. It seems that they conceal some evident truth, as a long meditation. Rothko was in the habit of using very big formats. Himself used to say that "I paint big pictures because they make you to be inside them immediately".

Darth Vader

2006-12-28T17:14:00.000+01:00

Darth Vader es la encarnación del mal, pero un mal atractivo (igual que Hannibal Lecter). Actualmente forma parte del arquetipo colectivo de villano total. Su talla, su voz segura y profunda, su capa, junto a su respiración hacen de él un personaje único. Y actualmente es una metáfora cultural y artística. Hay catedrales que tienen su figura como gárgola, especies de escarabajos con su nombre, videoclips en los que aparece mencionado y cientos de referencias a su persona. Su casco es un icono de la cultura de finales del siglo XX. Su historia vital, así como sus actos y decisiones se reflejan en cada uno de nosotros, de modo que, en el fondo, todos tenemos un Darth Vader en nuestro interior.

Darth Vader is the true incarnation of the evil, but an attractive evil (the same as Hannibal Lecter). Nowadays he is a part of the collective archetype of total villain. His height, sure and deep voice, and his breathing make of him an unique character. Nowadays he is a cultural and artistic metaphor. There are cathedrals that take his figure as gargoyle and species of beetles with his name and hundreds of references to himself. His helmet is an icon of the culture of the 20th century. His vital history, as well as his acts and decisions are reflected in each of us, so that, in the deepest, all of us have a Darth Vader in ourselves.

Eduardo Chillida

2006-12-27T17:20:00.000+01:00

El artista donostiarra Eduardo Chillida (1924-2002) es una de las figuras más importantes del arte en el siglo XX. Su dominio del espacio, de las formas, del arte en general es abrumador.

"Yo soy de los que piensan, y para mí es muy importante, que los hombres somos de algún sitio. Lo ideal es que seamos de un lugar, que tengamos las raíces en un lugar, pero que nuestros brazos lleguen a todo el mundo, que nos valgan las ideas de cualquier cultura. Todos los lugares son perfectos para el que está adecuado a ellos y yo aquí en mi País Vasco me siento en mi sitio, como un árbol que está adecuado a su territorio, en su terreno pero con los brazos abiertos a todo el mundo."

The Spanish artist Eduardo Chillida (1924-2002) is one of the most important figures of the art in the XXth century. His manage of the space, of the forms, of the art in general is overwhelming. " I am of those that think, and for me it is very important, that men come from a place. The ideal thing is that we should come from a place, that we should have our roots in a place, but our arms should arrive to the whole world, so that the ideas of any culture are valid. All places are perfect for the one that is adapted to them and I here in my Basque Country feel myself in my place, such as a tree that is adapted to its land, but with its branches opened to the whole world."

The Organ - El Órgano

2006-12-23T16:06:00.000+01:00

Si el piano es el rey de la orquesta, el órgano es el emperador. Ningún otro instrumento nos acerca tanto a la transcendencia ni nos hace sentirnos tan sublimes. Es, sin lugar a dudas, el instrumento con el que el hombre se expresa ante Dios.

If the piano is the king of the orchestra, the organ is the emperor. No other instrument brings us over so much to the transcendence neither make us feel so sublime. It is, no doubt, the instrument with which the man expresses himself before God.

Obras maestras para órgano - Organ masterpieces:

Mozart: Fantasia and Fugue in f minor, K.594.
Jean Langlais: Suite Medievale, Suite Breve.
Messiaen: La Nativite du Seigneur.
Franck: Priere, Fantasy in C, Cantabile, Choral in E, Grand Choeur in C.
Dupre: Suite Breton, Carillon.
J.S. Bach: Fugue in G "Gigue", BWV.577, Prelude and Fugue in d minor, BWV.539 (transcription from Violin Sonata), Fantasia in c minor, BWV.562, Fantasie in C, BWV.570, Liebster Jesu wir sind Heir, BWV.731, Wo soll ich fliehen hin, BWV.646, Erbarm dich mein, O Herre Gott, BWV.721, Allein Gott in her Hoh sei Ehr, BWV.663, Schmueke dich der liebe Seile, BWV.654, Nun Danket alle Gott, BWV.657, Jesus Christus Unser Heiland, BWV.688, Valet wir ich dir Geben, BWV.736.
C.P.E. Bach: Fantasia and Fugue in C.
Vierne: 24 Pieces in Free Style. Symphony num. 5, Pieces of Fantasie. Widor: Symphony num 2, num 4, num 7.
Guilmant: Priere et Berceuse.
Dubois: Toccata in G.
Gigout: Grande Choir Dialogue.
Kneller: Prelude and Fugue in d minor.
Bruhns: Prelude and Fugue in e.
Mendelssohn: Prelude and Fugue in G, Prelude and Fugue in C, Sonata num 3.
Brahms: Prelude and Fugue in g Minor.
Rudolf Bibl: Drei Charakterstucke, Op.64.
Reger: Introduction and Passacaglia.
Reinberger: Sonatas.
Pachelbel:Fugue in D, Choral Prelude on Old Hundredth.
Samuel Scheidt: Modus Ludendi, from Tabulatura Nova.
Walond: Introduction and Toccata.
Walther: Lobe Den, Herren Den Machtigen, Konig der Ehren.
Greene: Voluntary in G.
Clarke: Trumpet Voluntary (Prince of Denmark's March).
Schumann: Prelude and Fugue on BACH.
Saint Saens: Fantasie in B Flat.
David Conte: Pastorale and Toccata.
Friedrich Marpurg: A Mighty Fortress.
Heinz Zimmermann: Orgel Psalmen.
Gordon Young: Prelude in Classic Style.

Le Corbusier: Chaise Longue

2006-12-23T11:52:00.000+01:00

El arquitecto suizo Charles-Edouard Jeanneret, conocido como Le Corbusier (1887 - 1865) hizo grandes contribuciones a lo que se conoce como modernismo. Fue un pionero en estudios teóricos de diseño moderno y se procupó por mejorar las condiciones de vida de los habitantes de las ciudades. Sin embargo, es menos conocida su faceta como extraordinario diseñador de mobiliario. Entre sus obras destaca este diván, o Chaise Longue, que hubiera hecho las delicias de los pacientes de Sigmund Freud. Sus formas sinuosas y armoniosas transmiten estilo y, por supuesto, descanso. Desde 1964 la empresa milanesa Cassina tiene los derechos exclusivos de comercialización de los diseños de Le Corbusier.

The French Swiss architect Charles-Edouard Jeanneret, widely known as Le Corbusier (1887– 1965), , famous for his contributions to what is now called modernism. He was a pioneer in theoretical studies of modern design and was dedicated to providing better living conditions for the residents of crowded cities. His career spanned five decades, with iconic buildings constructed across central Europe, India, Russia, and one structure each in North and South America. He was also an urban planner, painter, sculptor, writer and modern furniture designer. Le Corbusier began experimenting with furniture design in 1928 and he defined three different furniture types; type-needs, type-furniture, and human-limb objects. In the year 1964, while Le Corbusier was still alive, Cassina S.p.A. of Milan acquired the exclusive worldwide rights to manufacture his furniture designs. Today many copies exist but Cassina is still the only manufacturer authorized by the Fondation Le Corbusier.

Nacho Duato

2006-12-22T19:31:00.001+01:00

El bailarín y coreógrafo valenciano Nacho Duato (nacido en 1957) es probablemente el más aclamado en el momento actual mundialmente. Su calidad interpretativa, pero sobre todo sus coreografías, hacen de él un personaje de una gran sensibilidad. Formado en las mejores escuelas de danza, sus obras destacan por su clásica contemporaneidad y por la armonía tajante de movimientos, representado tanto la crudeza social de lo humano y su frágil interior. Sublime.

Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío (1999)

Arcangelo (2000)

Por Vos Muero (1996)

The Spanish choreographer Nacho Duato (born in 1957) is probably the most acclaimed dancer in the current moment throughout the world. His interpretive accuracy, but especially his choreographies, make him an outstandingly sentitive artist. Formed in the best dance schools, his works stand out for their classic contemporaneousness and for the incisive harmony of movements, represented so much the social crudeness of the humankind and men's fragile interior. Sublime.

Multiplicidad. Formas de Silencio y Vacío. 1999.

Tintin

2006-12-22T17:07:00.000+01:00

Tintín (y su fiel perro Milú) es un icono del siglo XX. Su personalidad cosmopolita, global, sus aventuras y tramas constituyen tratados de temática actual e internacional, y son influencia del en el pop-art. Su popularidad siempre ha alcanzado grandes cotas, no sólo entre jóvenes sino también entre mayores.

Tintin (and his faithful dog Snowy) is an icon of the XXth century. His cosmopolitan, global personality, his adventures and plots constitutes treaty on current international subjects and have influenced pop-art. His popularity has always be great, not only among children but also among the elderly.

Jorge Oteiza

2006-12-14T13:18:00.000+01:00

Es escultor guipuzcoano Jorge Oteiza (1908-2003) es considerado como uno de los pioneros de la escultura abstracta en España,y ha pasado a la Historia del Arte del siglo XX por sus logros escultóricos y por sus reflexiones teóricas entorno al espacio. Para él la expresividad del hueco, la ocupación activa del espacio con nada, activa, absolutos de trascendencia y sacralidad, debe darse por medio de la fusión de unidades formales livianas, esto es, dinámicas o abiertas, y no por la desocupación física de una masa. Oteiza se sentía más navarro que vasco, y como tal su museo se encuentra en la localidad navarra de Alzuza.

The Spanish sculptor Jorge Oteiza (1908-2003) is thought to be one of the pioneers of the abstract sculture in Spain, and he has a place in the History of the XXth century art due to his sculptorical achievemens and theorical thoughs about space. He stated that the expressivity of the hole, the active filling of the space with active othing, transcendence absolute and sacred, should be done by fusionating the forms, what is to say, opened or dynamic, and not by the physical ocupation of a mass. Oteiza felt himself more Navarrese than Basque, hence, his Museum was placed in the Navarrese village of Alzuza.

Painters from Jaén - Pintores giennenses

2006-12-11T12:46:00.000+01:00

La ciudad andaluza de Jaén es un centro cultural insólito en el que trabajan varios pintores de gran renombre. Sus obras, a pesar de irradiar cierto academicismo, tienen un estilo propio y bien definido, que las hace destacar entre la pintura española actual. Quizás el pintor más representativo de este grupo sea el maestro Francisco Cerezo Moreno (1919-2006) destaca por sus retratos, paisajes serranos y bodegones en una buen combinación de luz y color. Sus bodegones están en la más pura tradición barroca y consigue con ellos una gran perfección.

The Andalusian city of Jaen is an unusual cultural center where several painters of great renown live. Their works, in spite of radiating certain academicism, have thir own and defined style, which makes them stand out among the Spanish current artistic universe. The most representative painter of this group is probably the master Francisco Cerezo Moreno (1919-2006) who stands out for his portraits, highland landscapes and his combination of light and colour. His pictures are in the purest baroque tradition and he obtains from them a great perfection.

Miguel Viribay (nacido en 1939) usa un estilo con reminiscencias costumbristas e impresionistas, dejándose llevar de motivos de su tierra y haciendo uso de suaves y armoniosas combinaciones de colores.

Miguel Viribay (born in 1939) uses a style with reminiscences costumbrist authors and the manners of impresionists, being left to go of motives of his land and using soft and harmonious combinations of colours.

José Damián Rodríguez Gabucio (nacido en 1943) demuestra una gran maestría en el dominio de todas las técnicas pictóricas. Las pinceladas se fusionan entre ellas, dando la sensación de estar en un mar, en calma, de colores.

Jose Damián Rodríguez Gabucio (born in 1943) demonstrates a great mastery in the domainof all the pictorial skills. The brushstrokes fuse among them, giving the sensation of being in a colourfull calm sea.

Francisco Carrillo Cruz destaca por su influencia clásica, pero con un estilo depurado y propio, haciendo de motivos cotidianos nuevos modelos de arte.

Francisco Carrillo Cruz stands out for his classic influence, but with a polished own style, doing of daily motives new models of art.

Manuel Kayser Zapata (nacido en 1946) es también conocido como el pintor del silencio. Sus obras emanan espiritualidad, intensa observación y transfiguración de lo cotidiano.

Manuel Kayser Zapata (born in 1946) is also known as the painter of the silence. His works destile spirituality, intense observation and transfiguration of the daily things.

Miquel Barceló

2006-12-03T23:17:00.000+01:00

El artista mallorquín Miquel Barceló (nacido en 1957) es uno de los pintores vivos más importantes del universo artístico. Sus obras comparten ciertas características inspirativas de la naturaleza, y consiguiendo una textura especial gracias al uso de empastes y materiales. El mar Mediterráneo y el continente africano (desde 1988 tiene un taller en Mali) son sus más importantes referentes artísticos.
Barcelo suele decir que "hay que saber reconocer en la vida diaria los hallazgos inesperados, hay que tener el ojo entrenado. Las cosas ocurren cuando uno está atento. Es como reconocer en un cuadro una mancha desencadenante de sentido, pero si uno no está ahí pintando no sucede nada. Yo quiero pensar que las cosas siguen sucediendo incluso cuando no estoy, mi problema es no tener varios yos, uno que viva en Mali, otro en París, otro aquí: tengo la sensación de que cuando llegue a Mali encontraré que mis cuadros se han ido pintando".

The Spanish artist Miquel Barceló (born in 1957) is one of the most important alive painters of the artistic universe. His works share certain inspiring characteristics with the nature, and he obtains a special texture thanks to the use of fillings and materials. The Mediterranean sea and the African continent (from 1988 it he stablished a workshop in Mali) are his more important artistic models. Barceló usually says that "you have to be able to recognize in the daily life the unexpected finds, is necessary to have a trained sight. The things happen when one is attentive. It is like to recognize in a picture a spot desencadenante of sense, but if one is not painting there, nothing happens. I think that the things go on happening even when I am not there, my problem is not to have several Ids, one that lives in Mali, other one in Paris, other one here: I have the sensation that when I come to Mali I will find that my pictures have been being painted".

Marc Chagall: stained glass

2006-12-03T13:35:00.000+01:00

La obra del gran artista ruso Marc Chagall (1887-1985) rebosa alegría y colores vivos. También rebosan referencias a su infancia, y el simbolismo es constante en todas sus creaciones. Sin embargo son menos conocidas sus vidrieras. Chagall era judío, pero tenía un profundo respeto por la figura de Jesucristo (una de sus obras clave es la Crucifixión Blanca) y por ello accedió a crear vidrieras para varias iglesias cristianas, entre ellas, la catedral de Metz, de Reims, Zürich y Mainz. La única iglesia en la que todas las vidrieras fueron creadas por Chagall es en el pequeño pueblo de Tudeley, en Kent, Inglaterra.

Estas vidrieras crean un ambiente de recogimiento, oración y gran cercanía a Dios. Como dijo el propio Chagall "En nuestra vida sólo hay un color, como en la paleta del artista, que nos da el significado de la vida y del arte. Es el color del amor".

The work of the great Russian artist Marc Chagall (1887-1985) overflows happiness and vivid colours. They also overflow references to his infancy, and the symbolism is constant in all his creations. Nevertheless his stained glasses are less known. Chagall was Jewish, but it he deeply respected the figure of Jesus Christ (one of his key works it is the White Crucifixion) hence he agreed to create stained glasses for several Christian churches such as the cathedral of Metz, of Reims, Zürich and Mainz. The only church known in the entire world with a full set of Chagall window-glass, is in the tiny village of Tudeley, in Kent, England. These windows create an environment of concentration, prayer and great nearness to God. Chagall used to say "In our life there is a single color, as on an artist's palette, which provides the meaning of life and art. It is the color of love."

Emil Nolde

2006-12-01T10:17:00.000+01:00

El pintor alemán Emil Nolde (1867-1956) es quizás el mejor acuarelista de todo el siglo XX. Su trazo vigoroso y colores expresivos caracterizan su trabajo. A pesar de su militancia en el Nazismo, Nolde fue incluido en la muestra "Entartete Kunst" o arte degenerado y posteriormente se le prohibió pintar, aunque siguió pintando acuarelas a las que llamó "Pinturas inpintadas" de las cuales ofrezco una muestra.

The German painter Emil Nolde (1867-1956) is considered to be one of the great watercolour painters of the XXth century. Nolde was a supporter of the Nazi party from the early 1920s, having become a member of its Danish section. However Hitler rejected all forms of modernism as "degenerate art", and Nolde's work was officially condemned by the Nazi regime. Until that time he had been held in great prestige in Germany in the Degenerate Art exhibition of 1937. was not allowed to paint—even in private— – after 1941. Nevertheless, during this period he created hundreds of watercolors, which he hid. He called them the "Unpainted Pictures" some ofwhich I show here.

John Cage

2006-11-29T19:49:00.000+01:00

El revolucionario compositor norteamericano John Cage (1912 - 1992) compuso su obra más conocida, 4'33" después de visitar la cámara anecoica de la Universidad de Harvard.
Una cámara anecoica es una habitación diseñada de modo que sus paredes absorben los sonidos generados dentro de la habitación y evitan que entren desde fuera. Cage entró esperando escuchar el silencio, pero realmente lo que escuchó fue, en palabras del propio Cage "su sistema nervioso en funcionamiento y su sangre circulando". "Habrá sonidos hasta que me muera. Y éstos seguirán después de mi muerte. Así que no me preocupo por el futuro de la música". La imposibilidad de crear el silencio fue lo que le llevó a componer su pieza más notoria, 4'33".
Robert Rauschenberg, un amigo de Cage, había creado en 1951 una serie de cuadros blancos quecambiaban con la luz que recibían, y con las sombras que la gente proyectaba. Este hecho también inspiró a Cage. El Pato Mareado.
Cualquiera que haya oido la obra se dará cuenta de que, a pesar de que los instrumentos no interpretan música, sigue habiendo sonido en la sala (igual que en la cámara anecoica). Estos sonidos, impredecibles e involuntarios, son los elementos constitutivos de la obra, que aún hoy, sigue creando controversia, ya que cuestiona la propia definición de música.
La duración de 4 minutos y 33 segundos no está designada en la partitura, pero fue el propio Cage quien, en la primera interpretación decidió la duración.

The american revolutionary composer John Cage (1912-1992) made his most famous work, 4'33", after visiting an anechoic chamber at University of Harvard.
An anechoic chamber is a room designed in such a way that the walls, ceiling and floor will absorb all sounds made in the room, rather than bouncing them back as echoes. They are also generally soundproofed. Cage entered the chamber expecting to hear silence, but he wrote later, "I heard two sounds, one high and one low. When I described them to the engineer in charge, he informed me that the high one was my nervous system in operation, the low one my blood in circulation."
"Until I die there will be sounds. And they will continue following my death. One need not fear about the future of music". The realisation as he saw it of the impossibility of silence led to the composition of his most notorious piece, 4′33″.
Cage's friend and sometimes colleague Robert Rauschenberg had produced, in 1951, a series of white paintings, seemingly "blank" canvases (though painted with white house paint) that in fact change according to varying light conditions in the rooms in which they were hung, the shadows of people in the room and so on. This inspired Cage to use a similar idea.
Anybody listening intently would have heard while the performer produces no deliberately musical sound, there will nonetheless be sounds in the concert hall (just as there were sounds in the anechoic chamber at Harvard). It is these sounds, unpredictable and unintentional, that are to be regarded as constituting the music in this piece. The piece remains controversial to this day, and is seen as challenging the very definition of music.
The length of 4′33″ is in fact not designated by its score. The instructions for the work indicate that it consists of three movements, for each of which the only instruction is "tacet," indicating silence on the part of the performer or performers. The title of the piece in each performance is determined by the length of silence chosen. Cage chose the length of the famous first premiere performance by chance methods using I Ching models, and later said that it just as easily could have been any other length.

Science Art

2006-11-29T09:27:00.000+01:00

El arte es una ciencia. La ciencia es arte. No sólo por sus similitudes en cuanto a la finalidad de búsquedad de la verdad y la belleza, sino también por sus métodos comunes y sus cualidades humanas. Unas nanoflores, un actinomyces israelii o el flujo de un electrón pueden ser tan bellos como una escultura de Rodin.

Science is Art. Art is Science. Not only because of their similarities on the goal (search of true and beauty) but also because of their common methods and human qualities. Some nanoflowers, an Actynomyces spp. or the electron flow can be as aweinspiring as Rodin's sculptures.

Herbert von Karajan

2006-11-25T10:18:00.000+01:00

El austríaco Heribert Ritter (Herbert) von Karajan (1908-1989) quizás no fuera el mejor director de orquesta de la historia, pero sí el más mediatico, y el que, de la mano de la Deutsche Grammophon, mejor supo aprovechar la expansión del sonido a través de los nuevos formatos, sobre todo el CD llegando a ser considerado el director de orquesta más grabado de la historia.
Su estilo, elegantemente calculado, le convirtió en un director amado por el público, a pesar de sus muestras de narcisismo e histrionismo. El propio Karajan era un producto mediático, más aún que su propia música, aunque este hecho ayudó en gran medida a difundir las obras de los clásicos.
Director de la Orquesta Filarmónica de Berlín durante más de treinta y cinco años, sus gestos e indicaciones (a veces con los ojos cerrados) envolvían a la orquesta y la llevaba, con gran sensibilidad pero firmeza, a un aura de comunión y misticismo que pocos directores llegan a alcanzar. En esta grabación dirige a la violinista Anne-Sophie Mutter.

The Austrian Heribert Ritter (Herbert) von Karajan (1908-1989) was not probably the best conductor of History, but he was the more mediatic, and thanks to Deutsche Grammophon, he could take advantage of the expansion of the sound across the new formats, especially the CD, managing to be considered to be the most recorded conductor of the history.
His style, elegantly polished, turned him into a loved conductor, in spite of his narcissism and histrionics. The own Karajan was a media product, even more that his music, though this fact helped to spread the classic music.
He was conductor of the Philharmonic Orchestra of Berlin during more than thirty five years and his gestures and indications (sometimes with closed eyes) wrapped the orchestra and was able to reach, with great sensibility but firmness, an aura of communion and mysticism that few directors manage to reach. In this recording he conducts the violinist Anne-Sophie Mutter.

Juan de Ávalos

2006-11-24T10:27:00.000+01:00

El escultor español Juan de Ávalos (1911-2006) es el representante más importante de la escultura española de todo el siglo XX. Sus obras emanan un absoluto monumentalismo, estilo que fue exaltado en la época de Franco (aunque el propio Ávalos estaba afiliado al Partido Socialista).
Autor de renombrada fama internacional, sus obras detacan por su magnificencia, sobriedad y cierto misticismo, características que fueron superlativas en su obra cumbre, el Valle de los Caídos.

The Spanish sculptor Juan de Ávalos (1911-2006) is the most important representative of the Spanish XXth century sculpture. His works destile an absolute monumentalistic style, and it was exalted in General Francisco Franco's Government (despite of the fact that Ávalos was affiliated to the Socialist party and was Republican).
Author of a renowned international reputation, his works stands out for their magnificence, sobriety and mysticism, superlative characteristics in his greatest creation, 'El Valle de los Caídos' (The Valley of the Fallen).

Gunther von Hagens & Roy Glover

2006-11-21T09:35:00.000+01:00

El médico y anatomista Gunther Von Hagens (nacido en 1948) desarrolló una nueva técnica para mantener cadáveres en perfecto estado. Esta compleja técnica, llamada plastinación, consiste en extraer el agua de un cuerpo con acetona fría y luego se sustituye por una solución plástica endurecible.
Sus cuerpos preparados con este método causan asombro y polémica en el mundo de hoy. Odiado por los más conservadores y alabado por gentes comunes y algunos científicos.
Su trabajo constituye un verdadero aporte al arte y a la medicina, al dar a conocer el cuerpo humano como es, sensibilizando a los interesados en observar su labor, una mejor comprensión de la salud y la anatomía.
Pero no es el único en que ilustra el cuerpo: Leonardo da Vinci y Vesalio y otros científicos dieron sus aportes y conocimentos de la anatomía humana a través de la historia científica de la humanidad. Por eso Von Hagens desea que su trabajo sea muy valorado por todos sin que cause repulsión al conocer como es el cuerpo. Hasta ahora más de cinco millones de personas han visto sus trabajos de exposición.

Roy Glover es profesor emérito de anatomía y biología celular en la Universidad de Michigan, además de ser el Director Médico del Laboratorio de la Preservación por Polímero de la Escuela Médica de la Universidad de Michigan. Actualmente es el supervisor y portavoz de la exposición "Bodies" donde se exponen cadáveres humanos disecados.

Gunther Von Hagens M.D. (born in 1948) developed a new technology to support corpses in perfect condition. This complex technology, called plastination, consists in extracting the body water with cold acetone and then is replaced with a plastic harndener solution.
The bodies prepared with this method cause amazement and polemic in the world. Hated by the most conservative and praised by common peoples and some scientists.
Hiswork constitutes a real contribution to the art and to the medicine, on having given to know the human body as it is, sensibilizing to observe his labor, a better comprehension of the health and the anatomy.
But he is not the only one who illustrates the body: Leonardo da Vinci and Vesalio and other scientists contributed to the human anatomy across the scientific history of the humanity. Because of it Von Hagens wishes that his work should be very valued by all without. Till now more than five million persons have seen his works of exhibition.

Dr. Roy Glover is Professor Emeritus of Anatomy and Cell Biology at the University of Michigan and the chief medical director of the University of Michigan Medical School Polymer Preservation Laboratory.
He serves as Chief Medical Advisor and spokesman for BODIES, The Exhibition.

David Hockney

2006-11-17T20:03:00.001+01:00

La sencillez y efectividad del británico David Hockney (nacido en 1937) son incuestionables. Su capacidad de síntesis y su pulcritud dan a sus obras un aire austero pero no pobre que las hace si cabe aún más atractivas. Su estilo clásico pero vanguardista destaca en su uso de los colores y las técnicas. Hockney, gran retratista, alcanza su cenit en la obra "A Bigger Splash" donde el absoluto hieratismo del entorno contrasta con la fascinación y el absoluto dinamismo del agua (porque es cierto: lo único que se mueve es el agua). Sencillo.

The simplicity and efficacy of the British painter David Hockney (born 1937) are unquestionable. His capacity of synthesis and his tidiness give to his works an austere but not poor air that makes them really attractive. His classic but vanguardist style stands out in the use of colors and techniques. Hockney, (who lives nowadays in California, USA) great portrayer, reaches his top in the work "A Bigger Splash" where the absolute environmental inmovility contrasts with the fascination and the absolute dynamism of the water (because it is true: the only thing that is moving is water). Simple. Great.

Ortiz Echagüe: los edificios de SEAT

2006-11-17T19:32:00.000+01:00

El fotógrafo, arquitecto y militar José Ortiz Echagüe (1886-1980) fue considerado el máximo representante del pictorialismo español, y tuvo una inmensa influencia en varias generaciones de fotógrafos españoles y europeos.

Ortiz Echagüe fue uno de los primeros fotógrafos documentalistas españoles. Reflejó la riqueza arquitectónica y folclórica del país en fotografías en las que la composición, la luz y cierta impasibilidad recuerdan más la pintura del XIX que el reportaje del siglo XX.

Los edificios de las distintas sedes del fabricante automovilístico español SEAT (empresa de la que Ortiz-Echagüe fue el primer presidente y de la que él mismo proyectó los edificios) pronto se convirtieron en una referencia de la modernidad tanto en España como en el ámbito internacional, tal y como lo demuestran la extensa bibliografía de la época. Esta fotografía del propio Ortiz es fiel reflejo de ello: arte en la fotografía y arte en el edificio. España avanzaba.

Otras obras de Ortiz Echagüe del legado de la Universidad de Navarra.

The photographer and architect José Ortiz Echagüe (1886-1980) was considered the maximum representative of the Spanish pictorialism, and he had an immense influence in several generations of Spanish and European photographers. Ortiz reflected the architectural and folkloric purity of his country in photographies in which the composition, the light and the style reminds the XIXth century's paintings.

The buildings of the Spanish cars factory SEAT (company of which Ortiz-Echagüe was the first president and of which himself projected the buildings) soon became a reference of the Spanish progress not only in Spain but also in international spheres. This photography, made by the self Ortiz , is a faithful reflex of it: art in the photography and art in the building. Spain was advancing.

Other works by Ortiz Echagüe (University of Navarre's Legacy).

Manolo Valdés

2006-11-13T10:57:00.000+01:00

Las obras del valenciano Manolo Valdés (nacido en 1942) constituyen un continuo homenaje al maestro Diego Velázquez. Valdés (que actualmente vive en NY) recrea un universo personal, reinterpretando a los grandes maestros clásicos y experimentando con diversos materiales y técnicas.
Su obra plantea un juego visual que induce al observador a indagar en su memoria cultural y reconocer iconogramas propios de la historia del arte. Tanto en su pintura como en su escultura subyace un sentimiento de "tactilidad" en el tratamiento que le da a los materiales, con una paleta pródiga, plena de corporalidad, de gestos amplios sustentados por grandes formatos.

The work of the Spanish artist Manolo Valdés (born in 1942) constitutes a continuous honoring to ths master Diego Velázquez. Valdés (nowadays living in NY) recreates a personal universe, reinterpreting the classics and experimenting with diverse materials and techniques. His work raises a visual game that induces the observer to investigate in his own cultural memory and recognize icons of the history of art. Both in hispainting and in sculptures there is a patent feeling of "tactility" of the materials used, with a bountiful, corporal palette ,plenty of wide gestures painted in big sizes.

Forever Bach

2006-11-04T19:52:00.000+01:00

Bach es eterno. Y su Tocatta y Fuga en re menor es probablemente una de las obras cumbre de la literatura musical de todos los tiempos, aquí interpretada en la película de Disney, "Fantasia".

Everlasting Bach. His Tocatta & Fugue in d minor is probably one of the most capital works of musical history, here played in Disney's film "Fantasia".

Lunch Atop a Skyscraper

2006-11-02T17:26:00.000+01:00

La fotografía se constituyó a lo largo del siglo XX en un arte más no sólo por su condición técnica sino porque reflejaba con absoluta fidelidad un momento determinado. En este caso, la foto realizada por Charles C. Ebbets refelja a la sociedad en construcción que sostiene frágilmente, sin ningún tipo de salvavidas, a los propios hombres (inconscientes, contentos) que la integran.
La propia fotografía implica un nuevo universo, el del fotógrafo. ¿Estaba éste en otra viga suspendido?¿O más bien a salvo, mirando desde una ventana?

Photography was constituted, throughout XXth century, in Art not only due to its specifications but also because it reflected with absolute fidelity a single moment. In this case, the photo by Charles C. Ebbets express how the building society maintains fragilely, without no type of life-guard, to the handcrafters (unconscious and happy) who integrate and build it. The photography also implies a new universe, the one of the photographer. Was he in another suspended beam? Or rather out of danger, watching away from a safe window?

William Turner

2006-10-31T16:41:00.000+01:00

Los efectos atmosféricos interesaron al inglés William Turner (1775-1851) más que ningún otro tema. La voluntad de representar movimientos de fusión entre luces, colores, vapores y agua lleva al pintor a renunciar substancialmente al análisis de los detalles, privilegiando el efecto general y la emoción a la sensación.

The atmospheric effects interested the English painter William Turner (1775-1851) more than other topics. The will of representing movements of fusion among lights, colours, steam and water leads the painter to resigning the analysis of the details, favouring the general effect.

Urb-Art

2006-10-30T22:05:00.000+01:00

¡Sin efectos especiales! Sólo mucha pintura. Estos bloques de pisos están en un pueblecito llamado Toryglen en Glasgow (Escocia) y todavía tienen restos de pintura a pesar de que el anuncio fue filmado hace meses. Sencillamente genial.

No special effects! Just lot of paint! The flats are in a small village called Toryglen in Glasgow (Scotland) and they are still covered in that paint despite the advert was filmed months ago! Simply great.

Chronik der Anna Magdalena Bach

2006-10-30T19:42:00.001+01:00

En 1968 el director del cine, Jean Marie Straub, se propuso rodar un film basado en la Chronik der Anna Magdalena Bach. «La idea era intentar un film en el que la música fuera utilizada no como acompañamiento ni como comentario, sino como una materia estética». No se trata de hacer una película musical. Toda la película es MÚSICA. No son actores sino músicos que, caracterizados como en el siglo XVIII, interpretan partituras de Johann Sebastian Bach, con la intervención más o menos prominente, más o menos visible en el plano cuando dirige o interpreta algún instrumento, de este personaje histórico. Este film puede interpretarse también como una historia de amor: la que une a un hombre y una mujer durante veintinueve años, de 1721 a 1750 —el año en que Bach muere—. La obrita en la que se basa la película fue escrita por ella, Anna Magdalena, y por lo tanto es su punto de vista el que sostiene la narración de los hechos. El actor que interpreta a Bach es Gustav Leonhardt, gran clavecinista, organista y director de orquesta holandés.

A chronicle of Johann Sebastian Bach's life, eschewing drama to focus almost entirely on his music. Narrated by his wife Anna in voiceover, it consists largely of static scenes of Bach conducting and/or playing his brilliant compositions.

In 1968 the film maker Jean Marie Straub, began to roll a film based on the Chronik der Anna Magdalena Bach. " The idea was making a film in which music was used not neither as accompaniment nor as commentary, but as an aesthetic matter ". To him, it was not a question of making a musical movie. The whole movie is MUSIC. There are no actors but musicians who, dressed in the 18th cent. style, play Johann Sebastian Bach's scores, with the more or less prominent, more or less visible intervention in the plane when he conducts or interprets some instrument. This film can also be understood also as a love history: the one that tells the tale of a man and a woman being together for twenty-nine years, from 1721 to 1750 - the year when Bach dies-. The book on which the movie is based was written by her, Anna Magdalena, so it is her point of view the one that supports the story of the facts. The actor who interprets Bach is Gustav Leonhardt, great harpsichord player, organist and Dutch conductor.

Helen Frankenthaler

2006-10-30T16:16:00.000+01:00

Mi primer artículo se lo dedico a la pintora contemporánea Helen Frankenthaler (Nueva York, 1928). Sus etéreas creaciones son dignas de llamarse Arte. Con su nueva técnica (disolución de óleo en trementina) abrió un nuevo abanico de posibilidades visuales y espaciales, artísticas. Onírico.

I should dedicate my first article to the contemporary painter Helen Frankenthaler (born New York, 1928). Her ethereal creations are worth be call Art. With her new painting technique (dissolution of oil paint in turpentine) she opened a new range of visual and spatial, artistic possibilities. Absolut oneiric.

Introducción - Introduction

2006-10-30T14:22:00.000+01:00

Arte es la aplicación de la habilidad y del gusto a la producción de una obra según principios estéticos. El concepto de Arte va asociado al concepto de obra de arte, que no es otra cosa que el producto o mensaje considerado primariamente en función de su forma o estructura sensible (estética).

El Arte es el acto o la facultad mediante la cual el hombre imita o expresa y crea copiando o fantaseando, aquello que es material o inmaterial, haciendo uso de la materia, la imagen, el sonido, la expresión corporal, etc., o, simplemente, incitando la imaginación de los demás. Arte es una expresión de la actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal sobre lo real o imaginado.

El término arte procede del latín ars. Es hasta finales del siglo XV, durante el Renacimiento italiano, cuando por primera vez se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y, equivalentemente, entre artesano (productor de obras múltiples), y artista (productor de obras únicas). Es también en este período cuando se crea un lenguaje articulado para referirse al exterior y no a la representación formal, quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas artes) en tres oficios: escultores, pintores y arquitectos.

Art is an act of creation, when images and objects, sights and sounds, or drawings and carvings convey the beauty and splendor of the world, or realize the imagination of the artist, for the purpose of self-expression or the shared enjoyment of its creation. Art is that which elevates our interpretation of the world and of ourselves from simple description or narrative to the sublime.
The modern use of the word "art", which rose to prominence after 1750, is commonly understood to be skill used to produce an aesthetic result . Art is defined as "the use of skill and imagination in the creation of aesthetic objects, environments, or experiences that can be shared with others". By any of these definitions of the word, artistic works have existed for almost as long as humankind, from early pre-historic art to contemporary art.